Hollywood queer (62 page)

Andrew Warhola Jr.

6 de agosto de 1928 en Forest City (EE.UU.) — 22 de febrero de 1987 en Nueva York (EE.UU.)

Nunca ocultó su homosexualidad si bien la imagen que proyectaba era asexuada, lo que hizo pensar a muchos que no era gay aunque él se definiera como tal. Le gustaba declarar que «El sexo es más excitante en la pantalla o entre las páginas (de un libro) que sobre las sábanas» o «Yo me masturbo con los videos de "Duran Duran"». Lo cierto es que no hay mucha información sobre su vida privada. En todo caso, su figura contrastaba con la del macho imperante en el mundo artístico de los años cincuenta.

Warhol no es tanto un cineasta como el gurú de cierto tipo de cine cuya forma de expresión es alternativa e independiente. Su contribución al cine
queer
es importante en cuanto se centra en vidas y deseos transgresivos, en personalidades inasimilables, así como porque registra tales subculturas urbanas con el carácter testimonial de su época. Muchos de sus actores eran chaperos (Joe Dallesandro, Paul America) o drag queens que representaban exageradamente la feminidad (Taylor Meade solía encarnarlas borrachas y dro-gadictas, pero también Mario Montez o Candy Darling). Bichos raros de la decadencia urbana que hacían poco más que posar para la cámara y referirse a sí mismos como supers-tars (Baby Jane Holzer, Viva, Edie Sedgwick, Gerard Malanga, Pope Ondine, etc.). Según Richard Dyer, tales estridentes superestrellas eran precisamente el tipo de personajes que Hollywood se había negado siempre a plasmar. Warhol las trató irónicamente. Sobre todo trabajó en el mundo underground desde su Factory de Nueva York, un lugar en constante actividad con un desfile de variopintos moradores. Al igual que hacía en el pop art, Warhol utilizaba su técnica reproductiva, aunque fuera de lo banal, para repetir "personas-objetos", superstars, fascinado como estaba por Hollywood y el star system, capaz de producir iconos de masas. Warhol evidenciaba la obsesión moderna por el buen consumidor y la manipulación de los medios de comunicación para construir celebridades. Warhol era el apólogo de la superficialidad frente a un mundo que quería creer en lo profundo y lo solemne, él siempre insistía en que su obra no significaba nada. Fue conocido por ser el padre del arte pop y el Príncipe del camp, el sumo pontífice de lo trivial. Sus películas contribuyeron a atenuar la censura de su país a la vez que Hollywood se apropiaba del realismo con el que retrataba la vida callejera y la sexualidad explícita. Autores iridies como John Cassavetes también tomaron nota de sus procedimientos.

La carrera de Warhol como cineasta —repleta de homoerotismo y usualmente estrenada en salas porno gay— se divide comúnmente en tres partes. Entre 1963 y 1964 utiliza una cámara que sólo le permite rodar en blanco y negro, sin sonido y con un metraje de tres minutos y medio. Aparentemente no sucede nada en ese único plano sostenido. Como en
Blow Job
(1963), que supuestamente registra los diversos grados de placer de un hombre a quien le están practicando fuera de plano una felación. O más adelante, en Taylor Mead's Ass (1965), el trasero del susodicho durante un poco más de una hora. Eran una especie de sátira del cinéma vérité —que apostaba porque la cámara descubriera cierta "verdad interior" — recibiendo el nombre de "estructural" en oposición al recurso del lirismo o de lo onírico en la corriente experimental de la época tipo New American Cinema. A finales de 1964 Warhol se hace con una cámara de 16 mm capaz de filmar 35 minutos seguidos y con sonido. Con la ayuda de diferentes colaboradores "dramáticos" elabora largometrajes más sofisticados, sirviéndose de un guión y del montaje, como en Harlot (1965) donde Mario Montez imita a Jean Harlow. Esta serie de cintas fueron las que lanzaron a las superstars, que creaban sus personificaciones de forma espontánea. My Hustler (1965) ofrece un bocado de la vida gay urbana ambientada en Fire Island. The Chelsea Girls (1966), «la Ilíada del underground» según la revista "Newsweek", fue la única película experimental que se estrenó comercialmente y en ella aparecen unas "lesbianas" muy desenfadadas, un chapero y su cliente, un joven rubio que durante un viaje alucinó-geno se desnuda, etc.

Su tercera etapa es la del uso del color, como en
Four Star
(1966-67). Entre sus 25 horas de duración también se puede ver como Alan Midgette se enamora de un joven británico. El pseudowestern Lonesome Cowboys (1968) es su obra más abiertamente gay, en la que los vaqueros se presentan como objetos de la mirada gay y como sujetos de deseo homoerótico, a George Cukor le encantó y se hizo muy amigo de Dallesandro, el protagonista. Durante el montaje Valerie Solanas atenta contra Warhol el 3 de junio y el heterosexual Paul Morrissey (1938), su asistente de dirección desde 1965, se ocupa de la producción cinematográfica de la Factory, realizando una serie de películas comerciales orientadas al sexploitation con todas las formas de sexualidad posible, mezclando por igual tragedia y comedia y en las que Morrissey hace prácticamente de todo salvo actuar. Warhol sólo las produce y algunos califican este período como su cuarta etapa. Morrissey se inicia con Flesh (1968), donde Dallesandro se prostituye para conseguir dinero y que su mujer aborte, pero cuando llega a casa ésta está envuelta en una relación lésbica y Dallesandro se duerme a su lado mientras ellas continúan a lo suyo.

En
Trash
(1970) Dallesandro no puede tener una erección y por tanto no puede ganar dinero. En Caliente (1970) Dallesandro intenta convertirse en un chapero en Hollywood. En esta trilogía sobre el actor parece que las mujeres o las drag queens que le rodean disfrutan socavando su masculinidad y las virtudes heterosexuales. Women in Revolt (1971) va de la liberación de la mujer interpretada por drag queens. Andy Warhol's Dracula (1973) y Andy Warhol's Frankenstein (1974) tornan el género del terror dentro del porno queer. Morrissey dejará la Factory en 1975, cuando Warhol decida centrarse en la pintura. Morrissey se autodefinía como un «conservador reaccionario», lo que podría cuestionar que su filmografía sea una celebración de lo queer. La última película dirigida por Warhol había sido Blue Movie (1969). Si al principio su filmografía quería ser un elogio del estilo impersonal al final se convierte en un culto a lo artificial. Una de sus citas más famosas es «Amo Los Ángeles... Amo Hollywood... Todo es plástico... amo el plástico. Yo quiero ser plástico». Es decir, como en el prefacio de "El retrato de Dorian Gray" de Oscar Wilde, tener la gran virtud de ser «tan artificial como sea posible». En total hizo unas ochenta películas.

Warhol fue un hombre del Renacimiento posmoderno: ilustrador, pintor, escritor, fotógrafo, escultor, editor de revista, productor, galerista, cineasta, etc. Como Marcel Duchamp su obra provocaba para subvertir la cultura de masas moderna, llena de prejuicios y convencionalismos. Durante la adolescencia sufre varias crisis nerviosas. Estudia arte y en 1949 se traslada a Nueva York donde se cambia el nombre. Allí se hace amigo de los artistas Jasper Johns y Robert Rauschenberg, ambos gays, quienes más tarde le evitarán por considerarle demasiado "elegante", con lo que Warhol enfatizará aún más su afeminamiento. Trabaja como ilustrador comercial y escaparatista y en 1952 hace su primera exposición, sobre ilustraciones de relatos de Truman Capote. Con el creciente éxito de sus serigrafías tipo "Gold Marilyn", se convierte en una celebridad y en el favorito de la
jet set.
A principios de 1966 comienza su colaboración con "Velvet Underground" —liderado por el músico bisexual Lou Reed— y para ellos crea el concepto de concierto multimedia. En los años setenta se convierte en cliente habitual de la discoteca Studio 54 y ficha a Capote para su revista "Interview". El diseñador inglés Ossie Clark (1942-1996) se emparejó con ambos mientras vivía en Nueva York. Clark se había casado porque le deprimía no resultar atractivo para los hombres y acabó apuñalado 37 veces por su amante italiano, Diego Cogolato. En And Bad (1977) Warhol produce la única obra de su amante, Jed Johnson. En los años ochenta apoya la carrera de artistas gays como Keith Haring y Jean-Michel Basquiat. Murió tras una chapucera intervención de la vesícula biliar.

John Samuel Waters Jr.

29 de abril de 1946 en Baltimore (EE.UU.)

En
Homer's Phobia
(1997), episodio de "Los Simpsons" donde Homer se hace amigo de Waters hasta que descubre que es gay, éste ofrece su definición de lo camp: «Lo trágicamente ridículo, lo ridiculamente trágico». Y es que este enfant terrible es famoso por su amor a lo camp y el kitsch, coronado "el Papa de la basura" o "el Sultán de lo baladí". Realidad que no sería tanto una consecuencia de su incompetencia estética sino algo buscado conscientemente. Waters también adora asistir a los procesos judiciales, obsesionado como está por el crimen. Incluso llegó a enseñar cine en prisiones. De hecho, en 2007 hizo para Court Tv una teleserie titulada "Hasta que la muerte nos separe", en la que encarnaba a la muerte. Heredero de Andy Warhol ha inspirado a Pedro Almodóvar. Se considera «100% gay» y «A veces deseo ser una mujer simplemente para poder abortan». No es extraño que algunos fans le pidan un autógrafo en el pene, a lo que él accede firmando sólo con sus iniciales. Creció en un suburbio de Baltimore y se dejó crecer su bigotito en honor a Little Richard (1932). Richard es un cantante de rock y actor con apariencia afeminada y en perpetuo conflicto interior entre sus sentimientos gays y sus severas creencias religiosas.

Waters ha ambientado en su ciudad natal prácticamente toda su filmografía, con un grupo recurrente de excéntricos actores entre los que destacan Divine. Tanto uso ha hecho de Baltimore y tan orgullosa se siente ésta, que el siete de febrero de 1985 el alcalde proclamó que ese día sería «el día de John Waters». Su filmografía no posee un obvio sentido gay —sus personajes suelen ser heterosexuales— pero es la perspectiva la que las dota de él. Sus transgresivas comedias
underground
tuvieron gran éxito en los años setenta, especialmente "la trilogía basura": Pink Flamingos/Flamencos rosas (1973), Cosa de hombres (1974) y Desperate Living (1977). Rodadas con presupuestos muy bajos y basadas en el mal gusto incluyen personajes no convencionales envueltos en situaciones escandalosas y diálogos hinchados. Sátiras a veces soeces sobre los valores familiares que más que buscar escandalizar querían divertir del modo más irreverente, entretener exaltando lo excluido y lo marginal. Waters declaró: «Me siento orgulloso del hecho de que mi obra no tenga ningún valor social». Aunque en sus libros "Shock Value" y "Crackpot" se considera un ingenioso moralista. En Pink Flamingos/Flamencos rosas un matrimonio heterosexual secuestra a jovencitas y obliga a su mayordomo gay para que las insemine y vender los bebés a parejas lesbianas. En
Cosa de hombres
un personaje declara que el mundo de los heterosexuales es una vida enferma y aburrida e implora para que quien lo sea renuncie a su pertinaz heterosexualidad. En Desperate Living una pareja de lesbianas viven en tempestuosa felicidad. Con Polyester (1981), protagonizada por Divine y el una vez ídolo juvenil Tab Hunter, desarrolló el odorama, sistema engorroso de sobres con el que se podía oler lo que sucedía en pantalla, desde rosas a pedos. Hasta 1988, con Fiebre de los sesenta, no rodó bajos los auspicios de Hollywood y desde entonces permanece allí con películas menos controvertidas y más acomodaticias, aunque sigan testimoniando sus temas del crimen, la religión, el racismo, la escatología o el sexo como en El lágrima (1990), Los asesinatos de mamá (1994), Pecker (1998), Cecil B. Demented (2000) o Los sexoadictos (2004). Algunas incluyen las intervenciones de la actriz porno Traci Lords o Patricia Hearst, la heredera de los medios de comunicación a quien tras secuestrarla en los años setenta lavaron el cerebro para robar un banco. Waters preparó una película basada en su musical "Hairspray" (2003) al que habían asistido complacidos George Bush Sr. y señora. Y es que la provocación y la subversión de Waters nunca pasó de inocua broma colegial. La rodó en 2007 el director gay Adam Shankman con John Travolta, Queen Latifah o Michelle Pfeiffer. Desde 1992 también se dedica a exponer fotocollages, la única cosa que ha hecho que no tiene que ver con Baltimore. Un ejemplo de ellos es el titulado "21 chulos/granos Pasolini" titulado así porque según Waters ese director era un fetichista de los mismos y él se ha dedicado a entresacarlos de sus películas.

Waters considera a George Kuchar (1942) su mayor inspiración, pues gracias a él aprendió que ni los grandes presupuestos ni el buen gusto eran necesarios para hacer una película de arte. A Kuchar se le considera el padre del cine
underground camp
y hasta los años sesenta trabajó con su hermano gemelo, Mike. Con doce años George hizo su primera película travestido —con el camisón de su madre— lo que le valió una paliza de la susodicha por ensuciar el suelo, si bien la señora no ha parado de aparecer en cameos en sus cintas. Kuchar es devoto de los cómics, la pornografía, las películas comerciales y, muy especialmente, el cine de serie B. Todos ellos filtrados a través de su propia sensibilidad gay. Su obra se caracteriza por su franqueza sexual, la anarquía, la comedia más burda y el grado Z de sus efectos especiales. Cuando rodaba Night of the Bomb (1961) la actriz se negó a hacer el desnudo que exigía el guión y Kuchar sin dudarlo sustituyó sus propias nalgas por las de ella. Su "tema favorito" son los tornados del medioeste. En 1977 grabó un inusual autorretrato I, An Actress. Su cinta más conocida es la parodia de las películas de terror de los años treinta Thundercrack! (1975), realizada junto al cineasta gay Curt MCDowell. Waters también aprendió de Kuchar presentar su obra en informales cine clubes.